范冰冰清纯，满脸欲望的美艳范冰冰居然变得清纯又可爱

大家好哇，夏天已经过半，喧闹和嘈杂之外还有另一份清凉与惬意，之前讲过夏天的雨季美学，雨季美学更偏向一种抽象美感，今天咱们来说点更直观的，关于夏天的摄影艺术。

如何看、如何理解、如何运用，都是提高美商的重要动作，摄影是直接的艺术，也是无需多言的艺术。好了，让我们通过这些摄影师的镜头，来一瞥夏天的美妙模样。

在内容开始之前，我们需要先科普一下画幅的概念，对于画面语言影响比较大的除了光影节奏色调，画幅也是一个很重要的因素。在胶片时代，画幅往往指的是相机在胶卷上成像范围的面积；而在数码时代，负责成像的并非胶卷，而是相机内部的图像传感器，因此如今我们常说的画幅通常是指传感器面积的大小。

传统的照相机胶卷尺寸为35mm，底片对角线为135mm，所以叫135相机。而120相机使用的是比135胶卷更大的120胶卷，面积6乘6cm，属于中画幅。而大画幅相机的底片尺寸更大，能达到4乘5英寸的大小，透视畸变、画质、景深，都是135和120相机没法相比的。

拍建筑多用大画幅相机，可以最大程度地矫正掉畸变，一些时尚摄影或是人像拍摄也会用到大画幅。而大家常见的单反多是属于135相机，也称全画幅相机。如果说135相机给人的感觉是匆匆一瞥，120相机就是一次对视，而大画幅给人的感觉就像拍摄是一场仪式一般。

川内伦子：明亮的痛感

第一位摄影师，叔最先想到的就是川内伦子，圈内有“摄神阿姨”之称，绝对是最早被国内摄影师模仿那一批摄影师之一。

她惯用的是一台6乘6的禄来相机，属于中画幅相机。正方形构图给人的感觉是稳定和均衡，整体气质是比较安静的。蓝色是她的标志性色彩，少女的细密睫毛，夏蝉的空壳，裂开口的西瓜，低对比的影像中总是空气感十足。

无病呻吟和好作品之间，最大的区别就是有没有实质性的创作思想。川内伦子的作品乍看很清新，细看很压抑，柔和安逸的色调，却似乎掩藏着无声的漩涡，泛滥的情绪在暗涌中悄然下沉，昭示着故事的走向。

她的镜头除了捕捉温柔和静谧，也不会特意去规避不适。给人的感觉是她在用好奇的目光打量这个世界，不带激进的评判，也不带泛滥的抒情。

上田义彦：习习凉风

上田义彦被大众所熟知应该是从他为无印良品拍摄的广告开始。上田义彦展现的是一幅幅在地铁上、火车上，人们或疲惫或悠闲地倚靠在座位上的样子，每个人都是最真实而自然的状态。

他惯用的也是中画幅或大画幅相机，青绿色调，大光圈带来小景深聚焦在画面主体，充满空气感和稀释的气场。平静的湖面，淡蓝色的月光，夏日气息。

和川内伦子不同，上田义彦的视角不是凝视或对视，而是一种第三人称的描述视角。

上田义彦的照片里，摄影师仿佛是不存在的，他不去凝视人物，所有镜头中的人都松弛地活在自己的生活里，旁若无人，自顾自地抒发着自己的情绪，摄影师本人的在场感被弱化到了极致。

正因为如此，他的照片自然又静谧，连美艳而充满冲击性的范冰冰也被他拍出了清纯和可爱感。

有时他也喜欢把人物和主体置于幽暗的环境之中，黑色的环境中凝视着静物散发出的层层光泽，令人不觉入迷。

就像谷崎润一郎在《阴翳礼赞》中说的那样：“美，不存在于物体之中，而存在于物与物产生的阴翳的波纹和明暗之中。”

Alec soth：眠于密西西比河沿岸

Alec soth是当代最炙手可热的摄影师之一，和大众认知里的明星摄影师不同，Alec soth极其腼腆，他的作品也带着欲语还休的气质。

他一生从未离开过明尼苏达，最早成名的作品就是用一个大画幅相机去拍摄密西西比河延岸。

夏日漫游，那些物品与房间，经济衰退之后的残破之躯，显得温柔而平静。像是现实和幻想之间的童话隐喻，一个舒缓的栖息地，是怀着忧伤的密西西比。

在拍摄中他塑造着自己的河流，整部影集就像是密西西比河边的漫游，这也是Alec soth最可贵之处，诚实和不加掩饰。在所有的摄影师都迫不及待地显得自己有多么厉害，多么高级的时候，他用一种最简单也最真诚的方式告诉大家，摄影是私人的、关于爱和依恋的。

Sally Mann：南方以南

Sally Mann1951年出生于美国弗吉尼亚州西南部，故乡对她性格形成以及摄影的风格都产生很大的影响。在她的许多照片不难发现地域性的特点——悠远浪漫的环境，南部夏日的空气、厚重的泥土、茂盛的草木。

她的作品不是纪实摄影，而是搭建在舞台之上的虚构和表演，一场发生在夏日的梦，Sally Mann选用老式大画幅相机拍摄，为塑造了一种如梦似画的朦胧感，黄铜镜头加持了这种缓慢、凝脂的感觉，光线在底片上蚀刻，带来雕塑般的银盐质感。

那些柔焦，充满暗角和划痕的画面的确离人们很遥远，它们似乎是另一个时空的影像。

影像的力量是时间，生命的载体也是时间，她将人们对于时空的感受变幻成一股神奇的力量，定格于快门之后。

好啦，今天关于摄影的美学知识就讲到这里啦。